martes, 30 de noviembre de 2010

EJERCICOS PPERSONALES












EJERCICIO CERO

CONFERENCIA DE EDUARDO SUBIRATS

Se trata de una conferencia protagonizada por el barcelonés Eduardo Subirats. Éste, es autor de numerosos libros, ensayos y artículos publicados en distintos medios. Estudió filosofía en la universidad de Barcelona, fue profesor de Historia del arte, Historia de la filosofía…
Subirats, nos habla en esta conferencia del ciclo de las Vanguardias al espectáculo (Arte y cultura en la edad de los medios de comunicación, de masas). Éste ciclo tiene tres tópicos fundamentales que son: Teoría de las Vanguardias, Teoría de los medios de comunicación de masas y una definición de la sociedad industrial (sociedad post-moderna).
El autor comienza haciendo una referencia sobre una visión estética del significado de la experiencia estoica de las vanguardias, desde el punto de vista de su influencia y de la capacidad que tiene su desarrollo estilístico para comprender su desarrollo estético, cultural y político de los medios de comunicación de masas, desde la 2º Guerra Mundial hasta hoy.
Para introducirnos en el tema, menciona una cita de Antonio Tapies dónde éste define Vanguardia, como una visión a algo más allá, hacia un progreso. Pero también lo critica, ya que las Vanguardias de los años 20, jamás se formularon como un más allá, sino como una actitud revolucionaria, de crítica. También contradice a Tapies en su estilo de pintura, ya que no pertenece a la Modernidad, como puede ser la obra de Kandinsky o Piet Mondrian.
Define el concepto de Vanguardia artística del siglo XX, como un concepto militante que se caracteriza por su capacidad de choque, por su carácter destructivo, negativo. A finales del siglo XIX, el concepto de Vanguardia artística, se define como la vanguardia política, ya que son movimientos de ruptura y asumen un papel ejemplar de características heroicas y una dimensión totalizadora de un nuevo poder. Es decir, una ruptura, un nuevo estilo y un nuevo orden. Ruptura de costumbres, de formas de ver y de pensar, de comprender concepciones del mundo.
En el proceso histórico de las Vanguardias, siempre podemos considerar dos corrientes diferenciadas, opuestas entre sí. Una de ellas recoge una tradición racionalista (Vanguardia Cartesiana), en la que predomina el cálculo, el análisis, la voluntad de un orden geométrico, matemático. Y otra corriente no racionalista, que se basa en el predominio de la razón en nombre de la creación de un lenguaje automático, no reflexivo. Esta separación se integra precisamente, en la naciente concepción de los medios de comunicación, industrialmente producidos con una dimensión masiva.
La crítica a la pérdida de la obra, contiene una ruptura de los lenguajes históricos que se operan en las obras técnicamente producidas o aquellas obras de arte producidas sobre la base lógica de reproducción técnica. T la ruptura con el significado único e irrepetible de una obra de arte en el contexto de una comunidad dada.
El proyecto que asumen todos los pioneros de las Vanguardias, es el deber de configurar la sociedad como una obra de arte.
El autor hace referencia también a la película “Metrópolis”, ya que contiene la integración de estos dos elementos de las vanguardias, racionalista e irracionalista. El autor de la película, aprovecha el medio de comunicación masivo, como es el cine, para poner en manifiesto sus ideas. Se trata de un medio privilegiado, ya que éste tiene gran accesibilidad a grandes masas.
La radio también es un medio de comunicación interesante, ya que permitía generar una cultura global y expandirla indefinidamente por todo el planeta.

viernes, 26 de noviembre de 2010

COMENTARIO SOBRE EL VÍDEO DE BRAM VAN VELDE

En el vídeo de este artista reproducido en clase, vimos que se trata de un artista con una obra condenada a nada, una obra realizada mediante líneas y colores sorprendentes. Sus cuadros están compuestos por empastes de pinturas con un relieve destacado.
El artista justifica a la pintura como una cosa pública. Es un adicionado a la visita de museos, exposiciones… incluso a las iglesias, cualquier sitio donde se pueda ver un poco de arte es apto.
Defiende al arte abstracto de la acusación de ser un arte estafador, puesto que es un arte capaz de proporcionarnos placer.
Nos comenta que para él, un cuadro es un silencio con el que un pintor debe competir. Ésta competición puede durar semanas, hecho que nos sitúa en un tensión impensable. En esa competición, el artista va viendo poco a poco lo que debe hacer, y cuando la cosa está, él se está allí, tranquilo. Todas las partes que existen en el cuadro deben relacionarse.
En el momento de realizar un cuadro, el artista se olvida de todo, se pierde y se vuelve a reencontrar en él. Su pintura representa una cosa en suspense, una cosa muerta que se encuentra sola.
Cuando pone un cuadro en marcha, se enfrenta a una aventura hacia lo desconocido, se hace un gran esfuerzo donde se libera de sí mismo. Rompe el espacio del plano del cuadro.
 Afirma, que hacer cuadros es un hecho que le tranquiliza, que le calma. Se trata de un combate con la vida, combate del ser con el mundo.
Un autor que busca todo lo desconocido y su misión es abrir ventanas. Piensa que la artesanía debe estar separada de la creación. Él intenta indagar el espacio, las emociones. Se dedica a vivir su verdad.
Se trata de un artista que no tuvo una vida agradable y se refugió en la pintura, la cual fue su salvación. Entre otras cosas, fue forzado a presenciar dos guerras mundiales, lo cual, lógicamente lo dejó marcado. Y además hay que sumar que su entorno personal no fue muy favorable, por lo tanto, el artista no tiene una visión muy positivista del mundo y eso se refleja en su obra. Vivió su vida y su obra, sin la búsqueda de los aplausos de museos y demás.

CRÍTICA DE LA PROGRAMACIÓN

Mi crítica sobre esta programación me parece que es bastante buena, ya que pienso que está bastante estudiada para forzar al alumnado a tocar todos los ámbitos en los que se mueve el arte y en los que un estudiante del mismo debería saber estar.
El hecho de que la asignatura de divida principalmente en dos bloques generales como son las clases teóricas y las clases en el taller, me parece muy oportuno, que las clases teóricas me parecen sumamente útiles en esta asignatura, ya que en ellas podemos adquirir nuevos conocimientos que posteriormente utilizaremos en el taller para nuestros ejercicios. Y gracias a lo aprendido en estas clases, sobre técnicas, autores… junto con los consejos y las enseñanzas del profesor en el taller, los alumnos lograremos mejorar nuestro lenguaje pictórico.
Otro aspecto que me parece interesante de la programación es, que los alumnos aprendamos a analizar los modos de operar en los sistemas del arte a través de la historia, ya que gracias a que seamos conscientes de estos múltiples sistemas, seremos capaces de crear ejercicios maduros, puesto que a lo largo de la historia podemos ver numerosos ejemplos de cómo se puede resolver un problema pictórico.
También me parece positivo que se nos enseñe a criticar nuestra propia obra y la de los demás, porque de esta forma, seremos cada vez más exigentes y nos obligaremos a implicarnos más en nuestros ejercicios con el objetivo de mejorar al máximo.
Otro aspecto positivo, es inculcarnos a los alumnos, la necesidad de visitar galerías y museos para ver verdaderas obras de arte en directo y obligarnos a hacer una reflexión sobre las mismas, ya que éste hecho nos hace madurar artísticamente. Nos enfrentamos a las obras y exponemos nuestras opiniones sobre ellas, además de aprender de dichas obras para después reflejarlo en nuestros ejercicios.
La exigencia de crear un blog, también me parece acertada, porque de esta forma, podemos llegar a conocernos más entre nosotros, ya que podemos ver las entradas de los blogs de nuestros compañeros y poder hacernos comentarios entre nosotros con nuestras opiniones personales. Es interesante tener acceso a los ejercicios de nuestros compañeros, porque creo que podemos aprender muchas cosas de nosotros mismos. 

lunes, 22 de noviembre de 2010

EXPOSICIÓN MATISSE Y LA ALHAMBRA

La exposición de Henry Matisse, ubicada en el palacio de Carlos V (Granada), está compuesta por pinturas, dibujos, litografías y hasta una escultura del artista. También podemos contemplar en ella, textiles y cerámicas típicos del  mundo nazarí, que posiblemente fuese sido las causantes de la inspiración de Matisse. Además de poder leer cartas y postales que el artista enviaba a su esposa comentándole las emociones que estaba sintiendo, el tiempo que hacía, etc.
Sus pinturas son obras en las que el color juega un papel muy importante, puesto que se trata de colores muy puros y vibrantes que llenan de vida sus cuadros. Las pinceladas son muy espontáneas y generan un carácter muy expresivo. También hay que destacar su virtud para deformar el cuerpo humano y a la vez crear ritmos y formas que agradan a la vista del espectador.
Podemos observar una escultura nombrada “estudio de un pie”, la cual me parece fascinante, pues podemos ver como habla por sí solo el material con el que está hecha. Representa un pie flexionado que nos da sensación de movimiento, armonía y estabilidad. En él podemos ver sus conocimientos anatómicos aunque el pie no esté tratado con total realismo. Podemos apreciar perfectamente como se ha depositado la materia y como ha sido tratada.
Otras obras a destacar de la exposición, son los bodegones y los retratos de las gitanas de él y de su amigo Iturrino. Son obras muy interesantes por su enorme parecido, ya que los dos amigos realizaron estas obras en el mismo taller y uno situado junto al otro, hasta incluso se puede decir que usaron los mismos pinceles y colores. De éste hecho nos informa las cartas mencionadas anteriormente. Los dos bodegones pintados en Sevilla y “la Joaquina”, son las tres obras que el artista pintó en España.
También  es importante hablar de sus Odaliscas, principalmente las que están realizadas  con litografía, ya que son figuras con volumen y con un estudio de la composición indiscutible. Por supuesto, hay que nombrar al carboncillo de “la danza”, porque no podría pasar por alto el boceto de una obra de tal calibre.
Y para terminar este comentario, he de destacar la que para mí, sin duda alguna, ha sido la obra más impactante, se trata de “la marroquí”, puesto que a pesar de su aspecto inacabado, no debe dejar a ningún espectador indiferente. Se trata de un retrato en tonos grises, blancos y negros, realizado con las pinceladas expresivas tan características del artista.